René Lalique (1860-1945) est à la fois un artiste dessinateur, créateur et technicien.  Véritable autodidacte, Lalique commença dès 1880 à proposer ses talents d’artisan-bijoutier aux grands noms de l’époque tels que Boucheron. En 1885, il n’est encore présenté par la maison que comme un simple collaborateur. Il faudra attendre 1890 pour que sa renommée commence à éclore alors qu’il dirige déjà une trentaine d’ouvriers dans un atelier rue Sainte-Thérèse.

Ses œuvres seront souvent teintées de symbolisme, mêlant la Faune, la Flore et la Femme a de multiples matériaux qui feront son talent et sa créativité.

     

« S’il ne demande aucun conseil aux hommes, il ne cesse d’en demander à la nature ; c’est d’elle seule qu’il s’inspire » écrivait le poète Edmond Haraucourt [1]. En effet, bien que René Lalique passa son enfance à Paris, il se plaisait à retourner régulièrement dans sa Marne natale où il pouvait, au contact direct de la nature, puiser son inspiration.

Sa passion pour l'Art Japonais en vogue à la fin du XIXème siècle et relayé par les Expositions Universelles, exacerbe son attrait pour la nature.

Maître incontesté de la Joaillerie de l'Art Nouveau français.

Après avoir travaillé pour les plus grandes Maisons de Joaillerie (Aucoq, Cartier, Boucheron etc...), il fonde son propre atelier en 1885 et devient le maître incontesté de la joaillerie de l'Art Nouveau français.

L’originalité de ses œuvres réside non seulement dans le répertoire iconographique utilisé, propre à la Nature et à l'Art Nouveau (faune, flore, bestiaire fantastique...), mais également dans le choix de ses matériaux.

La nature : source inépuisable d'inspiration de Lalique

Le vocabulaire Art Nouveau utilise un répertoire peu usité jusqu'à présent : paon, insectes, chardon, liane, le végétal sont mis à l'honneur sous l'Art Nouveau.

On raconte également que son atelier était constamment rempli de fleurs[2]. Il n’hésite pas à associer des matières très précieuses comme le diamant à d’autres plus accessibles tels que le cuivre ou la corne. Lalique n’aura de cesse de tenter de nouvelles expériences, privilégiant avant tout la préciosité visuelle au luxe matériel. Son talent sera rapidement reconnu et Émile Gallé le surnomma très justement « l’inventeur du bijou moderne ». Ses œuvres seront soutenues par les grandes femmes de l’époque comme Sarah Bernhardt qui portera ses bijoux sur scène ou encore par le collectionneur Calouste Gulbenkian, qui sera son principal mécène.

Si Lalique va traduire sa créativité dans de nombreux matériaux, il comprendra rapidement l’attrait du verre et ses possibilités de jeux de luminosité, de transparence, de couleurs et de relief. L’année 1909 sera charnière pour notre bijoutier. Sa rencontre avec le parfumeur François Coty va faire considérablement évoluer ses créations. Le verre va devenir son matériau de prédilection.  Il déposera de nombreux brevets l’amenant à devenir, dès les années 1910, un véritable maître-verrier.

 De l'usage de multiples matériaux, vers l'emploi privilégié du verre

Lalique va traduire sa créativité dans de nombreux matériaux en associant des matières absentes jusque là de la joaillerie (cuir, corne, émail, nacre), et  en utilisant des pierres semi-précieuses (appelées aujourd'hui pierres fines) et précieuses telles que l'opale, la pierre de lune, la pierre de tigre, la topaze etc...

IL comprendra rapidement l’attrait du verre et ses possibilités de jeux de luminosité, de transparence, de couleurs et de relief.

L’année 1909 sera charnière pour notre bijoutier. Sa rencontre avec le parfumeur François Coty va faire considérablement évoluer ses créations. Le verre va devenir son matériau de prédilection.  Il déposera de nombreux brevets l’amenant à devenir, dès les années 1910, un véritable maître-verrier.

 

Article écrit par Armelle FRUCHARD, étudiante en Master Muséologie à l'Ecole du Louvre et formation à l'ESSEC Business School

[1] Extrait de « La Dépêche de Toulouse » par Edmond Haraucourt (1933)

[2] Henri Vever dans la revue Art et Décoration (1898)

						

Le verre est une matière que René Lalique commence à travailler dès la première partie de sa carrière, alors qu’il est créateur de bijoux. Dès 1890, il effectue ses premières expériences dans ce matériau. C’est en collaborant avec le parfumeur Coty que Lalique débute réellement sa production d’objets en verre. En 1911, il réalise place Vendôme sa première exposition consacrée uniquement au verre. Très rapidement, il prouve son génie à transformer un vase fonctionnel en une véritable œuvre d’art.

Chacune de ses créations commençait par des dessins. De nombreux dessins attestant de cette pratique, sont encore conservés. Dans ce sens, René Lalique doit être perçu comme un artiste-artisan : il conçoit mentalement ses pièces avant de leur donner une forme physique.

Il conservera la même passion pour la nature et la figure féminine dans ses bijoux comme dans ses œuvres de verrier. Ainsi, le naturalisme et le symbolisme furent chez Lalique, l’essence même de sa créativité, et non un souci de répondre aux exigences d’une mode.

Parallèlement, cette passion fut sans doute nourrie par la découverte des artistes japonais en vogue à l'éqpoque, qui possédaient ce même don de l’observation ainsi qu’une qualité du dessin proche de la sienne. On sait que René Lalique possédait des estampes de l’artiste Utamaro et des livres japonais qui lui servirent de modèles pour des bijoux, des vases et des flacons.

Dans toutes ses œuvres, Lalique aura à cœur de créer des œuvres d’aspect précieux. C’est là un aspect primordial du génie de l’artiste : partant d’une production simple et relativement peu onéreuse, en bon industriel, il élargira constamment la portée de ses œuvres en verre, multipliant les recherches techniques et décoratives. Ce n’est pas tant les matières qui rendent ses œuvres si précieuses mais davantage la technicité de leur utilisation alliée à ses qualités de dessinateur.

René Lalique, conscient de la spécificité de ses réalisations, signa de son nom toute sa production, dès l'établissement à son compte comme fabricant de bijoux. Cette règle se vérifie dans son œuvre en verre même si, en fonction des périodes, il en modifia le libellé et le graphisme.

   

Sa passion pour le verre l’amena à en explorer tous les domaines d’application: du vase au luminaire, de la miniature au monumental, du service de table au mobilier jusqu’à l’architecture expérimentée pour son hôtel particulier parisien en 1902 (encore visible aujourd’hui: 40 cours Albert Ier, Paris 8ème).

Article écrit par Armelle FRUCHARD, étudiante en Master Muséologie à l'Ecole du Louvre et formation à l'ESSEC Business School
Article à suivre : Les bijoux René LALIQUE

Tweet Partager

Des œuvres à l'énergie positive

Auguste est un bordelais de 38 ans qui partage son temps entre le bassin d'Arcachon et les Etats-Unis. Totalement néophytes dans le monde artistique, il découvre ce monde il y a 10 ans au cours de ses études de Droit. Auguste est le nom choisi pour signer son travail, c'est une référence à l'Empereur éponyme Romain.

Ses premiers travaux ont été abstraits, puis il s'est dirigé vers le Pop Art, un style qui lui correspondait le plus.

Ses œuvres sont sur le thème : GENERATIONS. En effet, elles se veulent rappeler à chacun d'entre nous une partie de ses souvenirs, à travers des célébrités, des icônes, des superhéros, des marques emblématiques, des formes subjectives, des couleurs vives... Elles mélangent donc les styles et les époques, dans un univers de culture populaire. Son travail est basé sur une technique mixte, à savoir, numérique, collages, peinture acrylique et vernis automobile pour donner un coté glacé et brillant. Le support est l'aluminium.

Il expose dans le monde : New York, Los Angeles, Las Vegas, Miami, Singapour, Londres, Saint Barth, Paris, Monaco, Saint-Tropez... au cours desquelles il rencontre un vif succès. De nombreuses personnalités internationales ont été séduits par ses œuvres et ont acquis certaines de ses créations.

Retrouvez Auguste en vente sur www.lacparis.com

Un artiste qui interroge sur les rapports entre les Hommes et l'Architecture

Claude Charraud est né à Poitiers en 1973. Il apprend la photographie argentique N&B entre 2002 et 2004 puis numérique en 2005.

Depuis 2007, l’artiste se consacre aux paysages Humano-urbains et s’intéresse particulièrement aux rapports entre individus et architectures pour questionner sur ces interactions. Esthète des lieux communs, il les transforme pour devenir alors singuliers et sociologiquement captivants.  

Expositions récentes

D'autres, plus récentes sont le fruit du travail réalisé au mois d'avril 2015 à New York et Brooklyn.

Pour plus d'informations, vous pouvez consulter le site personnel de Claude Charraud.

Retrouvez les œuvres en vente 

Photo by ©AlexandreGallosi  

Jo di Bona : un adepte du graffiti, de collages et de culture pop

Jo Di Bona est un artiste de tout juste 40 ans né dans la banlieue Parisienne en 1976. Dès le début des années 90’ Jo a fait ses armes artistiques sur murs et trains aux côtés de Nestor & Lek, avec leur team VF, jusque dans les années 2000.

Puis Jo, sillonne la France avec son groupe Pop Rock Hotel jusqu'en 2014, date à laquelle il revient à l'art pictural, en exposant jusqu'en Chine.

Fervent adepte du graffiti, Jo va s’en éloigner petit-à-petit et créer ce qu’il appellera par la suite le «POP GRAFFITI», mélangeant collages, diverses influences du Graffiti, mais aussi la culture Pop dont il s’est profondément imprégné.

Dans ses œuvres, Jo rend hommage aux icônes et grands personnages de l’histoire, travaille sur des portraits d’anonymes, tout en faisant des clins d’œil à d’autres artistes qui lui sont chers. C’est avant tout cette liberté de créer qu’il aime et à laquelle le «POP GRAFFITI» lui donne accès. Après avoir terminé l’année 2014 en beauté avec le 1er Prix du Graffiti à la Fondation EDF, de nombreux projets s’enchaînent et se profilent à l’horizon… pour cet artiste dont la générosité est à la hauteur de son talent car « le plus important à ses yeux, c’est le partage. » (ARTIST’UP).

Jo est un artiste inspiré, doué d'une force de travail incroyable. Son oeuvre est prolifique. Jo continue pour notre plus grand bonheur à "embellir" les murs de fresques colorées notamment lors de performance artistique, rendant souvent hommage  aux événements et aux personnes.

Jo expose dans les galeries, la rue... Il crée de nombreuses œuvres pour des associations caritatives (emmaüs, pièces jaunes...).

Il a présenté ses premières toiles en vente aux enchères publiques au mois de juin dernier lors d'une vente Art Urbain Contemporain à Paris, au côté de Jonone, Mesnager....

Pour en savoir plus : retrouvez toutes les expos, photos, vidéos et news de Jo Di Bona sur sa page officielle facebook : http://www.facebook.com/popgraffiti et http://jodibona.com/

Retrouvez les lots en vente sur : www.lacparis.com

Un "gourmand des couleurs"

Pierre Ambrogiani nait dans une famille modeste le 16 Janvier 1906 à Ajaccio. Sa famille quitte la Corse et s'installe à Marseille dans les les quartiers populaires.

Il ne suit aucune formation artistique, mais fréquente les peintres marseillais tel que Antoine Serra, Louis Toncini avec lesquels cet autodidacte participe à la création de la première maison de Culture de Province en 1936. il tisse également des liens d'amitiés avec Marcel Pagnol et Jean Giono.

Peintre de natures mortes, de personnages, de modèles charnus, et de scènes de la vie quotidienne, il est particulièrement réputé pour ses paysages du Haut Pays aux couleurs vives et chatoyantes. Pierre Ambrogiani se définit lui-même  comme un « gourmand des couleurs », couleurs qu'il applique à la truelle ou avec de grands mouvements de pinceau jouant ainsi avec la matière et la lumière.  Classé dans les Expressionnistes, il flirte souvent avec l'Abstraction, en raison de ces grands aplats de "couleurs du Sud".

En 1946 et 1947, il expose à Paris et à New York. S'ensuit ainsi une carrière internationale.

Il illustre par ses gravures également des ouvrages tels que  "Ma destinée s'achève à l'aube" en 1947 du poète marseillais Toursky ou  "Les bucoliques" de Marcel Pagnol.

En 1962, il décore de fresques et de vitraux l'église de l'Immaculée Conception de Marseille.

Expositions

1936 Pierre Ambrogiani, Maison de la culture, Marseille. 1946 Pierre Ambrogiani, Paris. 1947 Pierre Ambrogiani, New York. 1973 Pierre Ambrogiani, exposition organisée à l’occasion de ses 50 ans de carrière, Musée de la Vieille Charité de Marseille. 2008 Pierre Ambrogiani, le gourmand des couleurs, Palais des Arts, Marseille, 8 mai-31 août.

Côte

Pierre Ambrogiani a une côte stable sur le marché des ventes aux enchères publiques. Comptez environ entre 2000 et 6000€ environ hors frais de vente, pour une huile sur toile. Si vous souhaitez connaître la valeur de votre tableau ou si vous avez des toiles ou gravure de cet artiste, contactez-nous au +33 (0)1 42 61 00 40 ou par remplissez le formulaire de pré-expertise. L'équipe de LAC Paris se tient à disposition pour vous conseiller dans vos achats et ventes.

Cette semaine, notre amie Aline nous présente la Galerie Rastoll, un nouvel espace incontournable pour tous les amateurs d'Art Contemporain. Ouvert le 2 septembre dernier dans le quartier du Haut Marais à Paris, cette galerie accueille des photographes et des céramistes. Collectionneur, artiste, passionné, exigeant et curieux. François Rastoll incarne une nouvelle façon de présenter l'art contemporain s’interrogeant toujours sur notre rapport à l’art, au monde.

François Rastoll nous parle de sa démarche et de ses choix.  

Comment est née l’idée d’ouvrir votre galerie ?

C'est avant tout un rêve d'enfance. Je suis moi-même collectionneur depuis très jeune. J'aime l'art et la culture parce que cela me permet de mieux comprendre et d'appréhender le monde qui m'entoure. A côté de cela j'ai également un parcours professionnel atypique dans le monde de la prestation de services aux grandes entreprises. J'ai donc décidé d'arrêter de travailler pour ces entreprises il y a 4 ans afin de me consacrer exclusivement à l'art. J'avais quitté le monde des expositions depuis plus de 10 ans j'ai donc tout repris à zéro. D'expositions en expositions j'ai recommencé à respirer, à retrouver mes marques et très rapidement le projet de gérer des expositions pour d'autres m’est venu. En 2014 l'opportunité s'est présentée de collaborer comme directeur artistique pour de belles expositions et de collaborer pour monter de A à Z, des expositions communes. Le processus était enclenché et en réalisant ce que je pouvais faire pour moi et les autres, j'ai eu envie d'avoir un lieu à moi. En février 2015 tout s’est arrêté un peu brutalement mais comme j'avais anticipé cette partie de mon avenir j'ai pu rebondir et chercher le lieu qui allait devenir la galerie Rastoll.

Vous aviez une idée précise de ce que vous vouliez présenter dans ce lieu ?

Oui dès le départ je savais ce que je voulais voir dans la galerie, j'ai d'ailleurs mis en place la structure et la répartition de l'espace de la galerie en fonction de cela. La photographie allait être majoritairement représenté mais aussi la céramique

Vos choix de présenter tel ou tel artiste se concrétisent comment ?

Pour la photographie je regarde essentiellement la démarche d'auteur. J'aime cette capacité de pouvoir raconter une histoire. Pour la céramique c'est assez différent, je regarde avant tout la matière, l'email quand il y en a et le type de cuisson. Et que ce soit pour la photographie ou la céramique, c'est l'émotion procurée par l'œuvre qui me fait me pencher sur le travail de tel ou tel artiste.

Quels sont vos projets et envies pour l’avenir ?

Pour l'instant continuer comme cela en essayant différentes choses. Par la suite je souhaite intégrer la galerie dans les grands événements d'art internationaux. Chaque chose en son temps, mais en ayant déjà cette posture cela me permet de mieux anticiper ce qui doit être fait pour y arriver.

Vous êtes aussi un partenaire essentiel dans un concours que vous avez lancé depuis quelque temps, pouvez vous nous en parler ?

Dès la construction du projet de la galerie je souhaitais mettre en place un prix photographique. Il se trouve que James Vil responsable d'Art photo lab et photographe que je connais, m'a contacté fin juin pour me présenter son projet sur lequel il travaillait depuis pas mal de temps. Il m'a proposé de faire partir de l'aventure en devenant partenaire. J'ai accepté immédiatement en proposant d'offrir l'exposition aux 3 gagnants en janvier.

Très rapidement d'autres partenaires se sont ajoutés pour devenir un prix comprenant de belles dotations pour les trois gagnants. C'est une aventure particulièrement intéressante et enrichissante pour moi comme pour la galerie car elle permet de voir aussi ce que propose le monde de la photographie en ce moment.

La galerie Rastoll située, 16 rue Sainte Anastase, 75003 Paris, est ouverte du mardi au samedi de 12h à 19h.  

Retrouvez toutes les informations sur le site et les différents liens :

www.galerierastoll.com

www.facebook.com/GalerieRASTOLL

www.galerie-rastoll.tumblr.com

Les expositions s’enchaînent. Après la très belle exposition "Reminiscence" de Loïc Guston, François accueille du 3 au 28 novembre 2015,  5 photographes qui présentent leur regard et leur vision de la photographie urbaine.    

Philippe Blayo – Philip Bryden – William Guillmain – Françoise Hillemand –Marjolaine Vuarnesson

A découvrir sans attendre...

 

François Ollivier est né,  le 05 janvier 1978, en Bretagne, à Lannion (22). Son père travaille dans le bâtiment, et très vite la famille toute entière est amenée à voyager et à déménager pendant une dizaine d’années. La famille pose enfin ses valises à Rennes et François Ollivier va y vivre son adolescence.

Il y suit des études de cinéma audiovisuel et découvre une ville de culture, mélangeant les arts visuels aux arts musicaux. Ces études de cinéma influencent François Ollivier dans sa vision de la vie. Le cadrage devient alors pour lui une manière de voir les choses et de se les approprier.

François Ollivier aime les cadres atypiques et cela se ressent dans sont art, il travaille sans codes et suit son instinct.

Devenu caméraman, après une formation professionnelle à l’école EMC, il travaille dans le spectacle vivant pour plusieurs artistes. Il voyage alors beaucoup et utilise son temps libre pour croquer les moments, les émotions qu’il vit.

Lors d'un spectacle, il rencontre sa femme, qui devient pour lui son équilibre, la mère de ses deux enfants et celle qui va lui faire prendre conscience que tous ces instants croqués, méritent d’être partagés. Né alors « FOL » le pseudonyme qu’il choisit pour signer ses tableaux.

François Ollivier produit de plus en plus d’œuvres. Il trouve enfin le support idéal pour matérialiser son art numérique en l’imprimant sur de l’aluminium recouvert de verre acrylique.  Son œuvre prend corps lors d’une première exposition en 2014 à Rennes. On y découvre alors un univers mélangeant le noir et blanc aux couleurs, la matière au vide. On y retrouve son goût du cadrage serré, des panoramiques, des fresques et surtout un style frais et décomplexé.

Son travail ne cesse d’évoluer, toujours à la recherche de la perspective nouvelle, d’un cadre différent et d’une liberté créative totale.